大家好，相信到目前为止很多朋友对于波普艺术作品和波普艺术作品分析不太懂，不知道是什么意思？那么今天就由我来为大家分享波普艺术作品相关的知识点，文章篇幅可能较长，大家耐心阅读，希望可以帮助到大家，下面一起来看看吧！

1中国波普艺术的代表人物和作品是

中国波普艺术的代表人物和作品是：王广义《大批判系列》。

波普艺术是流行艺术简称，又称新写实主义，因为波普艺术(Pop Art)的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词(popular)的缩写。

波普艺术(Popular Art)，起源于1950年代的英国，20世纪80年代末，波普艺术正式出现在了中国，至此，波普艺术的热点一直延续至今。

但和西方的波普艺术发展不同的是，中国波普艺术的发展仍然是出于一个特殊的历史文化背景之下，也正因为如此，中国的波普艺术逐渐形成了自己的内容和特征，呈现了有关于中国社会发展的特征与特色。

波普艺术（pop art，又译为普普艺术或通俗艺术），是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象表现艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。

波普艺术这个字目前已知的是由1956年英国艺术评论家罗伦斯·艾伟（Lawrence Allowey）所提出。

波普艺术同时也是一些讽刺市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。

2波普艺术到底特点?波普艺术有哪些艺术?

说起艺术,大家都觉得是很神奇的事情,具有很多的韵味,塑造不同的生活氛围,所以对于波普艺术你又了解多少呢?是否真正的知道他的艺术具有哪些特点呢?其实艺术每时每刻都在我们的身边出现,生活需要艺术的点缀,工作需要创意的艺术,所以下面我为你分享关于波普艺术到底特点?波普艺术有哪些艺术?

说起艺术,大家都觉得是很神奇的事情,具有很多的韵味,塑造不同的生活氛围,所以对于波普艺术你又了解多少呢?是否真正的知道他的艺术具有哪些特点呢?其实艺术每时每刻都在我们的身边出现,生活需要艺术的点缀,工作需要创意的艺术,所以下面我为你分享关于波普艺术到底特点?波普艺术有哪些艺术?

 波普艺术到底特点?

A、波普艺术的兴起反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观,力图表现自我,追求标新立异的心理。二战以后出生的新一代对于当时冷漠缺乏人情味/风格单调的现代主义/国际主义设计十分反感,他们希望有自己的设计风格,代表心得消费观念,新的文化认同立场,新的自我表现。

 他们喜爱的是明快突出的色彩,强烈的对比。

B、从波普艺术的时代背景中就可以看出,在艺术形式上,波普艺术的表现方式会很丰富,并不会拘泥于某种单一的表现方式,并且具有很强的视觉冲击。

C、波普艺术是一与商业艺术接轨的艺术类型,这就造就了波普艺术的功利性,会有意识的向着大众受欢迎的方面靠拢,赢得更多人的关注和喜爱。

 从波普艺术对现代广告招贴,服装设计有很深的影响,这是波普艺术流行性的体现。

D、波普艺术的发展深受现代大众文化的影响,这使得波普艺术更亲民。但同时他也具有大众文化的某些特点,节奏快,可复制性强,大众化 ,低成本。

 波普艺术有哪些艺术?

A、从艺术发展的文脉来看,波普艺术与早期现代艺术中的达达主义运动有着千丝万缕的联系。在波普艺术中普遍采用“现成品”(Ready-Made)的手法,是受到达达主义尤其是杜尚现成品观念的启发。

B、波普艺术除直接应用从海报或画报中剪下来的画拼接以外,还应用多种不同的材质进行组合、拼贴。如罗伯特劳森伯格的作品《积蓄》中,直接把现成品融入画中,这在一定意义上消除了艺术幻象与实物的界限、扩大了艺术形象的形式内涵和表现范围。

C、波普艺术的显著特征在于它的反叛性。波普艺术直接针对20世纪四五十年代美国抽象表现主义绘画“统领天下”,主导欧美画坛做出的回应与反叛。波普艺术家倾向运用艳丽的色彩如红、黄、蓝、紫等直接应用,给人以夸张的视觉效果吸引人们的注意力,使作品成为哗众取宠的流行艺术。有时通过把日常习见物品如汉堡包、汤匙、剥了皮的香蕉夸大比例、改变材质等手法制作成精致的公共 雕塑 ,安放、耸立在 城市广场 中,从而改变了这些物品原有的内涵和意义,使之具有了纪念碑性质,让人以愉悦。

 通过对于波普艺术到底特点?波普艺术有哪些艺术?的介绍,是不是对你的出境很深,打杂与众不同的艺术细胞,原来艺术是这样的有影响力,在以后的生活中可以启发你的艺术细胞,创造别样的生活氛围,打造具有艺术的氛围,无论是生活还是工作,都需要这样的艺术来开启人生的梦。

3波普艺术代表人物及作品有哪些？

1、安迪·沃霍尔

安迪·沃霍尔是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。

沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商。他是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。

2、罗伊·利希藤斯坦

美国波普艺术大师罗伊·利希滕斯坦，以平淡无奇的连环漫画为基本题材，用丙烯颜料将它们复制放大，并忠实地描绘在画布上，形成他最著名的艺术特色。

利希滕斯坦的绘画或雕刻作品，引用自漫画、日用品、广告以及一些美术史上名画家的作品造型。他不断改变风格，晚年还尝试创作中国式网点山水画，追求东方绘画中闲静安宁的气息。

3、草间弥生

圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起，都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生。她和安迪·沃霍尔、小野洋子等先锋艺术家，共同见证了当代艺术史。

在美国波普艺术的兴盛期，草间弥生作为唯一一个日本女人，被载入西方波普艺术史。其实，不仅波普艺术，极简主义、超现实主义、抽象表现主义都想拉她入帮，因为她的艺术风格不仅独特前卫，还具有东方特质的抽象表现主义语言。

4、村上隆

村上隆是日本新波普艺术的代表人物，他的作品不同于美国式波普艺术，仅仅停留在架上艺术品当中。村上隆表现的内容来源于大众流行文化同时，也作用于商品文化。

他的艺术形象与诸多奢侈品牌的结合，使得其作品的相关衍生产品一定程度上影响了艺术的日常生活化。

5、大卫·霍克尼

大卫·霍克尼是20世纪最具影响力的英国艺术家，他的作品吸取很多波普艺术的特点，又创造性地融入他的艺术品之中，被称为“最著名的英国在世画家”。

在霍克尼40多年的艺术生涯中，总是在不断地思索已有的各种视觉艺术生产模式，影印机、传真机、宝丽莱快照都可以称为他的“画笔”。

4波普艺术的介绍以及代表作是哪些 ？

波普艺术(Pop Art)最早起源于1950年代的英国，之后因为以Andy Warhol为代表的一批明星级艺术家的影响力而在美国得到巨大发展。让波普出现在了时装、AC-DC、香烟、胶纸、摇滚唱片等任何东西上。将身边的物品，如漫画、电影海报、明星、高跟鞋、任何消费品图像通过解构、拼贴、重复的手法进行艺术创作，都可成为波普艺术的创作主题。

波普艺术作为对抽象表现主义的叛逆登上了艺术舞台，这也是美国一种重要和独特的艺术形式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活的区别，艺术家应该自由的反映客观现实，不受传统的约束。他甚至把城市的废弃物作为创作作品的材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照艺术构思拼凑起来，使之脱离原来的属性在形式上开了“结合”艺术的先河。汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们突然意识到某些东西的存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。安迪·沃霍与其他波普艺术家相比显得更彻底，他完全取消了艺术创作中的手工操作观念，直接用制版印刷的方法 把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和现代主义者视为大忌的“重复”，甚至于推向极端，可口可乐瓶无尽无休的排列，以及明星们的照片都成为了最好的创作主题和素材。 这十分贴切的反映出了后工业时代的特征，现代工业正是这样每天重复着同一样东西。以直观的艺术形式代替了深奥的艺术。随着后现代艺术的推进，它同我们生活的界限也显得愈来愈近，可能我们无法意识到，但它作为我们生活和精神的组成部分已无法替代。

是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。

在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

5波普艺术的代表作家安迪·沃荷的作品有哪些

安迪·沃霍尔（Andy Warhol,1928.8.6－1987.2.22，港台地区译为安迪‧沃荷）被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他出生于美国宾夕法尼亚州的匹斯堡，是捷克移民的后裔。沃霍尔从小酷爱绘画，曾在卡耐基技术学院（Carnegie Institute of Technology）学习。1949年（21岁）他离开匹斯堡去纽约寻找发迹机会，他明白要在美国的视觉艺术上获得成就，就必须让人们看到他知道他的存在，大众传媒给了他许多启示。 1952年（24岁）他在纽约以商业广告绘画初获成功逐渐成为著名的商业设计师，他设计过贺卡、橱窗展示、商业广告插图，这些经历决定了他的作品具有商业化倾向的风格。他的作品早于1952年就在纽约崭露头角，并于1956年得到广告人梦寐以求的“艺术总监会赏”(Art Director’s Club Award)大奖。他在著名的工作室“工厂”(Factory)内聘请了一组工作团队，摒弃古典艺术，立志从事于颠覆传统的概念创作。“大量复制” (mass productions)当代著名人物的脸孔就是其中之一，将浓汤罐头与可乐瓶化身成艺术品也广泛为人所知。1954年（26岁），沃霍尔首次获得美国平面设计学会杰出成就奖。1956年（28岁）和1957年（29岁）他连续获得艺术指导人俱乐部的独特成就奖和最高成就奖。20世纪60年代，他开始以日常物品为作品的表现题材重新诠释来反映美国的现实生活，以一幅《康宝浓汤》，成为波普艺术的代表人物。他将玛丽莲·梦露、伊莉莎白等知名演员，籍由漫画式照片的印象及绢印的技巧，创作了反复印象的独特绘画。他喜欢完全取消艺术创作的手工操作，经常直接将美钞、罐头盒、垃圾及名人照片一起贴在画布上，打破了高雅与通俗的界限，深受世人的喜爱。

作为20世纪波普艺术的最著名代表人物，他“歪曲或包装“过毛泽东，玛丽莲·梦露，the Velvet Underground乐队，可口可乐，美元和Chanel五号，尤其是他对the Velvet Underground从内容到形式的设计，令这个乐队成了音乐史上唯一可以媲美“披头士“的奇迹，而the Velvet Underground自此就没有停止过他们对这个世界及其文化的影响。

沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。沃霍尔的作品没有欧洲设计师那么观念化、哲学化、个人化，他的作品风格体现出了：实用主义、商业主义、多元化、幽默性。“每个人都能当上15分钟的名人”，这是安迪·沃霍尔留给媒体时代最乐观的寓言，但以其对当今艺术的巨大影响而言，他自己的15分钟还远未结束，无论是当时他所处的时代还是现在，对于美国还是世界，安迪·沃霍尔都是个传奇人物。

少年时候的沃霍尔已是个锋芒毕露的艺术学生，在师长的鼓励下，决定到纽约这个艺术熔炉一闯。最初只为书刊负责插图设计工作，但很快便在纽约流行艺术界打响名堂，最出众的风格是透过丝网印刷手法和不断重复影像，将人物化成视觉商品，代表作包括《玛丽莲·梦露》、《金宝罐头汤》、《可乐樽》、《车祸》、《电椅》等，这些作品都在沃霍尔开办的纽约影楼（The Factory）中，经一些业余助手大量生产和复制，mass production总是沃霍尔的流行艺术观中不能或缺的指标。至六一年，沃霍尔已被誉为是继Dali及毕加索后另一位前卫艺术界名人，不论是一卷厕纸或一个厕板，只要盖上他的印章，随即便时髦起来！

962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”(尼古斯·斯坦戈斯编《现代艺术观念》，侯翰如译，四川美术出版社，1988年，第247页。)他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他 “想成为自然”形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”(罗伯特· 休斯著《新艺术的震撼》，刘萍君等译，上海人民美术出版社，1989年，第307页。)实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。

玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。

沃霍尔的绘画中常出现涂污的报纸网纹、油墨不朽的版面、套印不准的粗糙影像，让人像看电视一闪尔过，而不是欣赏绘画般仔细观看。

他的作品，突出一种嘲讽与冷静。他描绘了简单清楚而反复出现的东西，这些都是现代社会中最令我们记得的形象符号。

沃霍尔打破了永恒与伟大的界限；打破了手工艺品与批量生产、达达艺术和极少艺术、绘画与摄影、画布与胶卷的界限。他给平庸添上悲剧色彩，使悲剧变得平淡无奇。他摧毁了“艺术”形象的等级制度，取消了规定“艺术”的专横界限，他沟通了阳春白雪和下里巴人两种艺术。

他有一种直觉，能从数百万大众传媒递送的照片和图像中，找出他所要的那一张绘画原型。在制作完成后，以此表达对机械刻板的现代生活的客观评价，如果有人反感他的绘画，也会反感商业文化。在全球进入商业经济竞争的21世纪，沃霍尔们的波普遗产，不管是对西方还是东方，仍有着巨大的现实价值和特殊意义。

6波普艺术

波普”（pop）是“棒棒糖”（lollypop，lolly是舌头，pop是涂抹）的一个简化口语词，可追溯至十八世纪。表示 可口可乐 之类的“汽水”（soda pop）一词，大致也是那个时期产生的（这里的pop可能是指瓶子开启的声音）。

总之，我们可以看到轻松愉快的享乐和渴求欲念的转化，例如棒棒糖的性暗示。

那么，棒棒糖是何时成为一种文化符号，又是怎样传达出性暗示意味的？

17世纪，伦敦街头出现了一种软糖，买糖小贩把小棍放进融化的糖水，现场制成一根根廉价的“棒棒糖”贩卖，成为当时一度风靡的街头小吃。而在内战爆发前的美国，也出现了一种被固定在铅笔顶端的硬糖，供当时的孩子写字时食用。

真正把现代意义上的“棒棒糖”发扬光大的，是一家西班牙糖果公司“珍宝珠”（Chupa Chups）。

“Chupa Chups”来源于西班牙语动词chupar，意为“舔”或“吮吸”。

于是，Chupa Chups棒棒糖这一品牌正式诞生。

这家公司一开始售卖的糖果只是普通硬糖，在经过其所有者恩里克·博纳克（Enric Bernat）的改造后，第一批珍宝珠棒棒糖在1958年被生产出来。圆圆的糖果拖着一根小棍子，口味多样、色彩炫酷。这种新型糖果立刻广受欢迎，而“珍宝珠”也成为了“棒棒糖”的专属品牌。

在恩里克·伯纳特看来，珍宝珠品牌要走出西班牙，走向全世界，更重要的是，它不但要走进孩子的世界，也要走进大人的世界。于是，便有了那句非常著名的广告语——“Life Less Serious。”意思是“无拘无束的生活”。这个闲暇时的零食，定位于让人们放松减压。

也正是为了走出西班牙，1970年，恩里克·伯纳特请自己的加泰罗尼亚老乡、超现实主义大师达利为珍宝珠设计品牌标识，于是便有了沿用至今的小花LOGO。

2015年， 德国 摄影师Julius Ise为珍宝珠棒棒糖拍摄一组平面广告，以“舔我”为名，突出棒棒糖的艳丽和美女的诱惑，以情色暗示吸引成年受众。

棒棒糖这个廉价但色彩缤纷的消费品，就成为波普艺术时常使用的一个符号，代表着短暂消费的狂欢，与人性和欲望；联系了起来。

棒棒糖的两个特性也使得它合理地成为了欲望流露的符号。

首先，是棒棒糖炫目的外形。 色彩绚丽、运用大量图案和色块是波普艺术的重要标志。就像《玛丽莲·梦露》中安迪·沃霍尔通过各种颜色渲染同一幅肖像一样，棒棒糖作为波普元素也具有用色大胆绚丽的特点，另外特别值得注意的是那种螺旋形的棒棒糖，一圈圈的彩色旋涡就好像可以把人卷入其中，散发着诱惑。

其次， 是用舌头舔棒棒糖。 这个动作本身的意味想必已经不用解释了——在舔食棒棒糖时堂而皇之地伸出舌头 暗合波普所倡导的无拘无束流露欲望 。伸出舌头这个动作后来也逐渐化为一个独立的符号，比如人们熟知的“滚石乐队”（The Rolling Stones）这个标志性图案，就象征着自由、诱惑与狂热。

波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，罗伦斯·艾伟（Laurence Alloway）提出。

二战后资本主义国家经济慢慢复苏，消费主义也开始出现。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。

在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》（Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?）。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。

美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。

画中内容都是从海报、广告以及画报上的图片剪裁拼贴而成的。左边的这个猛男就是从一本1954年的杂志中获取的，楼梯与电视机的图片则分别来自于当时的两个广告，而看着像天花板其实是地球底部的这张图片其实则是从1955年9月的《自然》杂志剪下来的。

这幅画以戏谑荒诞的形式打响了波普的第一炮，实践了生产波普艺术的策略——那就是直接借用产生于商业社会的文化符号，对现存图像进行复制、挪用和拼接，而不是像以往的艺术家那般追求画功精巧的创作。

1957年，汉密尔顿为“波普”这个词下了定义，即：流行的（面向大众而设计的），转瞬即逝的（短期方案），可随意消耗的（易忘的），廉价的，批量生产的，年轻人的（以青年为目标），诙谐风趣的，性感的，恶搞的，魅惑人的，以及大商业。按照汉密尔顿本人对波普艺术的定义， 波普艺术家试图消解和反抗的，其实就是所谓的“权威文化”和“架上艺术”。 他们的作品元素直接取材于极其常见的日用消费品，以此模糊“艺术”与“日用品”的界限，把艺术从神坛上“请”了下来。

作品里猛男手中握着的巨型棒棒糖就显得格外引人注目，尤其是上面还用亮色写了一个单词：“POP”——无疑，棒棒糖作为一个常见的廉价消费品，已经成为波普的一个重要符号，承载着波普艺术的核心精神。

那么波普艺术的内核是什么？汉密尔顿的作品和定义也许给出了一个解答。波普为流行和廉价树碑立传，而这实际上是一种艺术上的自由，一种解构的自由。

换句话说， 波普认为一切消费品皆可为艺术，而一切艺术皆可被廉价消费。 与自由相伴相生的，就是欲望的表达。汉密尔顿这个作品中的裸体男女也印证了这一点， 在波普的世界中，情欲被释放，廉价短暂被颂扬，消费成了一场狂欢。

关于波普艺术作品的内容到此结束，希望对大家有所帮助。